La Última Cena representada por Leonardo da Vinci. "La Última Cena" de da Vinci. Leonardo y Ludovico Sforza

Leonardo da Vinci es la personalidad más misteriosa y menos estudiada de los últimos años. Algunos le atribuyen un don de Dios y lo canonizan como santo, mientras que otros, por el contrario, lo consideran un ateo que vendió su alma al diablo. Pero el genio del gran italiano es innegable, ya que todo lo que alguna vez tocó la mano del gran pintor e ingeniero se llenó instantáneamente de un significado oculto. Hoy hablaremos de la famosa obra “La Última Cena” y de los muchos secretos que esconde.

Ubicación e historia de la creación:

El famoso fresco se encuentra en la iglesia de Santa Maria delle Grazie, ubicada en la plaza del mismo nombre en Milán. O mejor dicho, en una de las paredes del refectorio. Según los historiadores, el artista representó específicamente en la imagen exactamente la misma mesa y los mismos platos que había en la iglesia en ese momento. Con esto trató de mostrar que Jesús y Judas (el bien y el mal) están mucho más cerca de las personas de lo que parecen.

El pintor recibió el encargo de pintar la obra de su mecenas, el duque de Milán Ludovico Sforza, en 1495. El gobernante era famoso por su vida disoluta y desde muy joven estuvo rodeado de jóvenes bacantes. La situación no cambió en absoluto porque el duque tenía una esposa hermosa y modesta, Beatriz de Este, que amaba sinceramente a su marido y, debido a su carácter manso, no podía contradecir su forma de vida. Hay que admitir que Ludovico Sforza veneraba sinceramente a su esposa y estaba apegado a ella a su manera. Pero el disoluto duque sintió el verdadero poder del amor sólo en el momento de la repentina muerte de su esposa. El dolor del hombre fue tan grande que no salió de su habitación durante 15 días. Y cuando salió, lo primero que hizo fue encargar un fresco de Leonardo da Vinci, que una vez había pedido su difunta esposa, y detuvo para siempre todo entretenimiento en la corte.

En la foto aparece la Iglesia de Santa Maria delle Grazie.

La obra se completó en 1498. Sus dimensiones eran de 880 por 460 cm. Muchos conocedores de la obra del artista coincidieron en que "La Última Cena" se puede ver mejor si se mueve 9 metros hacia un lado y se eleva 3,5 metros. Además, hay algo que ver. Ya en vida del autor, el fresco era considerado su mejor obra. Sin embargo, llamar fresco a la pintura sería incorrecto. El caso es que Leonardo da Vinci escribió la obra no sobre yeso húmedo, sino sobre yeso seco, para poder editarla varias veces. Para ello, el artista aplicó una gruesa capa de tempra de huevo a la pared, que posteriormente no le hizo ningún favor, comenzando a derrumbarse apenas 20 años después de pintar el cuadro. Pero hablaremos de eso más adelante.

La foto muestra la Última Cena en el refectorio.

Idea de la pieza:

“La Última Cena” representa la última cena pascual de Jesucristo con sus discípulos y apóstoles, celebrada en Jerusalén en vísperas de su arresto por los romanos. Según las Escrituras, Jesús dijo durante una comida que uno de los apóstoles lo traicionaría. Leonardo da Vinci intentó plasmar la reacción de cada uno de los alumnos ante la frase profética del Maestro. Para ello, caminó por la ciudad, habló con la gente común, los hizo reír, los molestó y los animó. Y al mismo tiempo observó las emociones en sus rostros. El objetivo del autor era representar la famosa cena desde un punto de vista puramente humano. Por eso representó a todos los presentes en fila y no dibujó un halo sobre la cabeza de nadie (como les gustaba hacer a otros artistas).

En la foto: Bosquejo de la Última Cena.

1. Según los historiadores, a Leonardo da Vinci le costó más escribir dos personajes: Jesús y Judas. El artista intentó convertirlos en la encarnación del bien y del mal, por lo que durante mucho tiempo no pudo encontrar modelos adecuados. Un día, un italiano vio en el coro de una iglesia a un joven cantante, tan espiritual y puro que no había duda: aquí estaba, el prototipo de Jesús para su “Última Cena”. Pero, a pesar de que la imagen del Maestro fue pintada, Leonardo da Vinci la corrigió durante mucho tiempo, considerándola insuficientemente perfecta.

El último personaje no escrito en el cuadro fue Judas. El artista pasó horas deambulando por los peores lugares, buscando un modelo para pintar entre la gente degradada. Y ahora, casi 3 años después, tuvo suerte. Un tipo absolutamente degenerado yacía en una zanja, en estado de grave intoxicación alcohólica. El artista ordenó que lo llevaran al estudio. El hombre apenas podía mantenerse en pie y no tenía idea de dónde estaba. Sin embargo, después de pintar la imagen de Judas, el borracho se acercó al cuadro y admitió que ya lo había visto antes. Ante el desconcierto del autor, el hombre respondió que hace tres años era completamente diferente, llevaba un estilo de vida correcto y cantaba en el coro de la iglesia. Fue entonces cuando un artista se le acercó con la propuesta de pintar a Cristo de él. Así, según los historiadores, Jesús y Judas se basaron en la misma persona en diferentes períodos de su vida. Esto enfatiza una vez más el hecho de que el bien y el mal van tan cerca que a veces la línea que los separa es imperceptible.

Por cierto, mientras trabajaba, Leonardo da Vinci se distraía con el abad del monasterio, quien constantemente apresuraba al artista y le decía que debía pintar un cuadro durante días y no quedarse pensativo frente a él. Un día, el pintor no pudo soportarlo y le prometió al abad que le quitaría a Judas si no dejaba de interferir en el proceso creativo.

La foto muestra a Jesús y María Magdalena.

2. El secreto del fresco más discutido es la figura del discípulo situada a la derecha de Cristo. Se cree que se trata nada menos que de María Magdalena y su ubicación indica que ella no era la amante de Jesús, como comúnmente se cree, sino su esposa legal. Este hecho lo confirma la letra “M”, que está formada por los contornos de los cuerpos de la pareja. Supuestamente significa la palabra “Matrimonio”, que traducida significa “matrimonio”. Algunos historiadores discuten esta afirmación e insisten en que la firma de Leonardo da Vinci, la letra "V", es visible en la pintura. La primera afirmación se apoya en la mención de que María Magdalena lavó los pies de Cristo y los secó con sus cabellos. Según la tradición, sólo una esposa legal podía hacer esto. Además, se cree que la mujer estaba embarazada en el momento de la ejecución de su marido y posteriormente dio a luz a una hija, Sara, que marcó el comienzo de la dinastía merovingia.

3. Algunos estudiosos sostienen que la disposición inusual de los estudiantes en la imagen no es accidental. Dicen que Leonardo da Vinci ubicó a las personas según... los signos del zodíaco. Según esta leyenda, Jesús era Capricornio y su amada María Magdalena era virgen.

En la foto aparece María Magdalena.

4. Es imposible no mencionar el hecho de que durante los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial, un proyectil que impactó en el edificio de la iglesia destruyó casi todo excepto la pared en la que estaba representado el fresco. Aunque, el propio pueblo no sólo no se ocupaba del trabajo, sino que además lo trataba de una manera verdaderamente bárbara. En 1500, una inundación en la iglesia causó daños irreparables al cuadro. Pero en lugar de restaurar la obra maestra, en 1566 los monjes hicieron una puerta en la pared que representaba la Última Cena, que “cortó” las piernas de los personajes. Un poco más tarde, el escudo de armas milanés fue colgado sobre la cabeza del Salvador. Y a finales del siglo XVII, el refectorio se convirtió en establo. El fresco ya en ruinas se cubrió con estiércol y los franceses compitieron entre sí: quién golpearía la cabeza de uno de los apóstoles con un ladrillo. Sin embargo, La Última Cena también tuvo seguidores. El rey francés Francisco I quedó tan impresionado por la obra que pensó seriamente en cómo transportarla a su casa.

La foto muestra el fresco de la Última Cena.

5. No menos interesantes son los pensamientos de los historiadores sobre la comida representada en la mesa. Por ejemplo, cerca de Judas, Leonardo da Vinci representaba un salero volcado (que en todo momento se consideró de mal augurio), así como un plato vacío. Pero el mayor punto de controversia sigue siendo el pez de la imagen. Los contemporáneos todavía no pueden ponerse de acuerdo sobre qué está pintado en el fresco: un arenque o una anguila. Los científicos creen que esta ambigüedad no es accidental. El artista cifró específicamente el significado oculto de la pintura. El caso es que en italiano “anguila” se pronuncia “aringa”. Agregamos una letra más y obtenemos una palabra completamente diferente: "arringa" (instrucción). Al mismo tiempo, la palabra "arenque" se pronuncia en el norte de Italia como "renga", que significa "el que niega la religión". Para el artista ateo, la segunda interpretación es más cercana.

Como puede ver, en una sola imagen se esconden muchos secretos y eufemismos que más de una generación ha estado luchando por descubrir. Muchos de ellos seguirán sin resolverse.

En verdad, no hay ningún secreto en el mundo que algún día no se haga evidente, porque los manuscritos no se queman. Y seguimos desmentiendo uno de los mitos históricos más inescrupulosos respecto al nombre difamado por la Iglesia cristiana María Magdalena. Recientemente, la cobertura de este tema ha adquirido una importancia fundamental para nosotros, porque el propio Rigden Djappo habla con gran respeto de ella y de su “gran hazaña”, a la que definitivamente volveremos más adelante, como lo demuestran los presentados en el libro “. Sensei 4. Shambhala primordial"materiales que describen la historia completamente desconocida de esta misteriosa y hermosa mujer. Muy pronto en la sección "Conocimiento Primordial" publicaremos el contenido detallado de esta, en nuestra opinión, obra literaria de valor incalculable.

Mientras tanto, siguiendo el artículo “Uno de los secretos de María Magdalena, la amada discípula de Jesucristo”, continuamos la búsqueda de una verdad incómoda para la Iglesia oficial, tratando de descubrir qué y por qué nos ocultaron a nosotros, los ordinarios. gente - durante miles de años, ¿qué se puede hacer? Tenemos que hablar directamente, el llamado "clero". Habiendo recibido las llaves del Conocimiento, "puertas y ojos abiertos" para cualquier persona, comienza a ver la realidad circundante desde un ángulo radicalmente diferente y, en primer lugar, no le queda claro por qué estas personas se llaman a sí mismas "clero" y se esconden. ¿Tantos secretos? Si la gente supiera la verdad, muchas cosas en este mundo podrían cambiar, y estamos convencidos, para bien de la gente.

Hoy nos centramos en el cuadro monumental de Leonardo da Vinci" última cena", que representa la escena de la última cena de Jesucristo con sus discípulos. Fue escrito en los años 1495-1498 en el monasterio dominico de Santa Maria delle Grazie en Milán. ¿El motivo de nuestra conversión en él? Como muchos eruditos bíblicos imparciales , nos interesamos mucho, ¿Por qué está claro que hay una mujer al lado de Jesús? , mientras que la Iglesia durante miles de años ha estado instando a la gente a creer en la versión, sobre un tal apóstol Juan, de cuya pluma salió el cuarto, uno de los evangelios canónicos "de Juan el Teólogo", el "discípulo amado" de el Salvador.

Entonces, veamos primero el original:

Ubicación

Iglesia de Santa Maria delle Grazie en Milán, Italia.

"Última cena" (información oficial, según Wikipedia)

información general

Las dimensiones de la imagen son aproximadamente 460x880 cm, se encuentra en el refectorio del monasterio, en la pared del fondo. La temática es tradicional para este tipo de locales. La pared opuesta del refectorio está cubierta con un fresco de otro maestro; Leonardo también puso su mano en ello.

Técnica

Pintó "La Última Cena" sobre una pared seca y no sobre yeso húmedo, por lo que la pintura no es un fresco en el verdadero sentido de la palabra. El fresco no se puede modificar durante el trabajo, y Leonardo decidió cubrir la pared de piedra con una capa de resina, gabs y masilla, y luego pintar sobre esta capa con témpera. Debido al método elegido, la pintura comenzó a deteriorarse apenas unos años después de finalizar la obra.

figuras representadas

Los apóstoles están representados en grupos de tres, situados alrededor de la figura de Cristo sentado en el centro. Grupos de apóstoles, de izquierda a derecha:

Bartolomé, Jacob Alfeev y Andrey;
Judas Iscariote (vistiendo ropa verde y azul) , Pedro y Juan (?);
Tomás, Santiago Zebedeo y Felipe;
Mateo, Judas Tadeo y Simón..

En el siglo XIX se encontraron cuadernos de Leonardo da Vinci con los nombres de los apóstoles; anteriormente sólo se había identificado con certeza a Judas, Pedro, Juan y Cristo.

Análisis de la imagen.

Se cree que la obra representa el momento en que Jesús pronuncia las palabras de que uno de los apóstoles lo traicionará (“y mientras comían, dijo: “En verdad os digo que uno de vosotros me traicionará”), y el reacción de cada uno de ellos. Como en otras representaciones de la Última Cena de la época, Leonardo coloca a los sentados a la mesa a un lado para que el espectador pueda ver sus rostros. La mayoría de los escritos anteriores sobre el tema excluyeron a Judas, colocándolo solo en el extremo opuesto de la mesa donde se sentaban los otros once apóstoles y Jesús, o representando a todos los apóstoles excepto a Judas con un halo. Judas sostiene una pequeña bolsa, que quizás representa la plata que recibió por traicionar a Jesús, o una alusión a su papel como tesorero entre los doce apóstoles. Era el único que tenía el codo sobre la mesa. El cuchillo en la mano de Pedro, apuntando en dirección opuesta a Cristo, quizás remita al espectador a la escena en el Huerto de Getsemaní durante el arresto de Cristo. El gesto de Jesús puede interpretarse de dos maneras. Según la Biblia, Jesús predice que su traidor extenderá la mano para comer al mismo tiempo que él. Judas toma el plato, sin darse cuenta de que Jesús también le extiende su mano derecha. Al mismo tiempo, Jesús señala el pan y el vino, que simbolizan el cuerpo sin pecado y la sangre derramada, respectivamente.
La figura de Jesús está colocada e iluminada de tal manera que la atención del espectador se dirige principalmente hacia él. La cabeza de Jesús está en un punto de fuga para todas las líneas de perspectiva.
La pintura contiene repetidas referencias al número tres:

Los apóstoles se sientan en grupos de tres;
detrás de Jesús hay tres ventanas;
los contornos de la figura de Cristo se asemejan a un triángulo.

La luz que ilumina toda la escena no proviene de las ventanas pintadas detrás, sino que proviene de la izquierda, como la luz real de la ventana de la pared izquierda. En muchos lugares de la imagen hay una proporción áurea; por ejemplo, donde Jesús y Juan, que está a su derecha, ponen sus manos, el lienzo se divide en esta proporción.

"La Última Cena. ¡María Magdalena sentada junto a Cristo!" (Lynn Picknett y Clive Prince. "Leonardo da Vinci y la Hermandad de Sión")

(un libro que vale la pena leer por su perspectiva analítica)

Allí se encuentra una de las obras de arte más famosas e inmortales del mundo. El fresco de la Última Cena de Leonardo da Vinci es la única pintura que se conserva en el refectorio del monasterio de Santa María del Grazia. Está realizado sobre un muro que permaneció en pie después de que todo el edificio quedara reducido a escombros como consecuencia de los bombardeos aliados durante la Segunda Guerra Mundial. Aunque otros artistas notables han presentado sus versiones de esta escena bíblica al mundo (Nicolas Poussin e incluso un autor tan peculiar como Salvador Dalí), es la creación de Leonardo la que, por alguna razón, sorprende a la imaginación más que cualquier otra pintura. Se pueden ver variaciones sobre este tema en todas partes y cubren todo el espectro de actitudes hacia el tema: desde la admiración hasta el ridículo.

A veces, una imagen parece tan familiar que prácticamente no se examina en detalle, aunque está abierta a la mirada de cualquier espectador y requiere una consideración más cuidadosa: su verdadero y profundo significado sigue siendo un libro cerrado, y el espectador solo mira su portada.

Fue esta obra de Leonardo da Vinci (1452-1519), el genio sufriente de la Italia del Renacimiento, la que nos mostró el camino que condujo a descubrimientos tan apasionantes por sus consecuencias que al principio parecieron increíbles. Es imposible entender por qué generaciones enteras de científicos no se dieron cuenta de lo que estaba disponible ante nuestra mirada asombrada, por qué información tan explosiva esperó pacientemente todo este tiempo por escritores como nosotros, permaneció fuera de la corriente principal de la investigación histórica o religiosa y no fue descubierta.

Para ser coherentes, debemos volver a la Última Cena y mirarla con ojos nuevos e imparciales. Este no es el momento de considerarlo a la luz de ideas familiares sobre la historia y el arte. Ahora ha llegado el momento en que la visión de una persona que no está familiarizada en absoluto con esta escena tan famosa será más apropiada: dejemos caer el velo de la parcialidad de nuestros ojos, permitámonos mirar la imagen de una manera nueva.

La figura central, por supuesto, es Jesús, a quien Leonardo, en sus notas relativas a esta obra, llama el Salvador. Mira pensativamente hacia abajo y ligeramente hacia su izquierda, con las manos extendidas sobre la mesa frente a él, como si ofreciera al espectador los regalos de la Última Cena. Dado que fue entonces, según el Nuevo Testamento, cuando Jesús introdujo el sacramento de la Comunión, ofreciendo pan y vino a los discípulos como su “carne” y su “sangre”, el espectador tiene derecho a esperar que haya una copa o copa de vino en la mesa frente a él para que el gesto parezca justificado. En definitiva, para los cristianos, esta cena precede inmediatamente a la pasión de Cristo en el Huerto de Getsemaní, donde ora fervientemente “pasa de mí esta copa...” - otra asociación con la imagen del vino - sangre - y también de la sangre santa. derramada ante la Crucifixión para la expiación de los pecados de toda la humanidad. Sin embargo, no hay vino delante de Jesús (y ni siquiera una cantidad simbólica en toda la mesa). ¿Estos brazos extendidos podrían significar lo que en el vocabulario de los artistas se llama un gesto vacío?

Dada la ausencia de vino, tal vez no sea casualidad que de todo el pan que hay en la mesa, muy pocos estén “partidos”. Puesto que Jesús mismo asoció con su carne el pan que debía partirse en el sacramento supremo, ¿no se nos envía una sutil indicación de la verdadera naturaleza del sufrimiento de Jesús?

Sin embargo, todo esto es sólo la punta del iceberg de la herejía reflejada en esta imagen. Según el Evangelio, el apóstol Juan el Teólogo estuvo físicamente tan cerca de Jesús durante esta Cena que se apoyó “contra su pecho”. Sin embargo, en Leonardo este joven ocupa una posición completamente diferente a la que exigen las “instrucciones escénicas” del Evangelio, pero, por el contrario, se desvía exageradamente del Salvador, inclinando la cabeza hacia la derecha. Se puede perdonar a un espectador imparcial si sólo nota estos rasgos curiosos en relación con una sola imagen: la imagen del apóstol Juan. Pero, aunque el artista, por supuesto, por sus propias preferencias, se inclinaba por el ideal de la belleza masculina de un tipo algo femenino, no puede haber otras interpretaciones: en este momento estamos ante una mujer. Todo en él es sorprendentemente femenino. No importa cuán vieja y descolorida pueda estar la imagen debido a la antigüedad del fresco, uno no puede evitar notar las manos pequeñas y elegantes, los rasgos faciales delicados, los senos claramente femeninos y un collar de oro. Se trata de una mujer, precisamente una mujer, que está marcada por un atuendo que la distingue especialmente.. La ropa que lleva puesta es un reflejo de la ropa del Salvador: si él lleva una túnica azul y un manto rojo, entonces ella lleva una túnica roja y un manto azul. Nadie en la mesa usa ropa que sea un reflejo de la ropa de Jesús. Y no hay otras mujeres en la mesa.

El centro de la composición es la enorme y ensanchada letra “M”, que está formada por las figuras de Jesús y esta mujer juntas. Parecen estar literalmente conectados a la altura de las caderas, pero sufren porque divergen o incluso crecen desde un punto en diferentes direcciones. Hasta donde sabemos, ninguno de los académicos se refirió a esta imagen excepto "San Juan" y tampoco notaron la forma compositiva en forma de la letra "M". Leonardo, como hemos podido comprobar en nuestra investigación, era un magnífico psicólogo que se reía al presentar a sus mecenas, quienes le encargaban una imagen bíblica tradicional, imágenes muy poco ortodoxas, sabiendo que la gente miraría con calma e imperturbabilidad la herejía más monstruosa, ya que normalmente solo ven lo que quieren ver. Si te han pedido que escribas una escena cristiana y has presentado al público algo que a primera vista es similar y responde a sus deseos, la gente nunca buscará un simbolismo ambiguo.

Al mismo tiempo, Leonardo tenía la esperanza de que quizás hubiera otros que compartieran su inusual interpretación del Nuevo Testamento y que reconocieran un simbolismo secreto en la pintura. O alguien algún día, algún observador objetivo, algún día comprenderá la imagen de la misteriosa mujer asociada con la letra "M" y hará preguntas que claramente se derivan de esto. ¿Quién era esta “M” y por qué es tan importante? ¿Por qué Leonardo arriesgó su reputación (incluso su vida, en aquellos días en que los herejes ardían en la hoguera por todas partes) para incluirla en un escenario cristiano fundamental? Sea quien sea, su destino no puede dejar de causar alarma cuando la mano extendida le corta el cuello elegantemente arqueado. No se puede dudar de la amenaza contenida en este gesto.

El dedo índice de la otra mano, levantado justo delante del rostro del Salvador, lo amenaza con evidente pasión. Pero tanto Jesús como “M” parecen personas que no notan la amenaza, cada uno de ellos está completamente inmerso en el mundo de sus pensamientos, cada uno a su manera está sereno y tranquilo. Pero en conjunto parece como si los símbolos secretos fueran utilizados no sólo para advertir a Jesús y a la mujer sentada a su lado (?), sino también para informar (o quizás recordar) al observador alguna información que sería peligroso hacer pública en Cualquier otra manera. ¿Utilizó Leonardo su creación para promulgar algunas creencias especiales que sería simplemente una locura proclamar de la manera habitual? ¿Y podrían estas creencias ser un mensaje dirigido a un círculo mucho más amplio, y no sólo a su círculo íntimo? ¿Quizás estaban destinados a nosotros, a la gente de nuestro tiempo?

¿El joven apóstol Juan o María Magdalena?

Volvamos a mirar esta increíble creación. En el fresco de la derecha, desde el punto de vista del observador, un hombre alto y barbudo está casi doblado en dos, diciéndole algo a un estudiante sentado al borde de la mesa. Al mismo tiempo, le dio casi por completo la espalda al Salvador. El modelo para la imagen de este discípulo, San Tadeo o San Judas, fue el propio Leonardo. Tenga en cuenta que las imágenes de artistas del Renacimiento generalmente fueron accidentales o se tomaron cuando el artista era un hermoso modelo. En este caso, estamos ante un ejemplo del uso de una imagen por parte de un partidario del doble sentido (doble sentido). (Estaba preocupado por encontrar el modelo adecuado para cada uno de los apóstoles, como puede verse en su oferta rebelde al más airado prior de Santa María de servir como modelo a Judas). Entonces, ¿por qué Leonardo se retrató a sí mismo como tan claramente? ¿Le da la espalda a Jesús?

Además. Una mano inusual apunta con una daga al estómago de un estudiante sentado a sólo una persona de "M". Esta mano no puede pertenecer a nadie sentado a la mesa, ya que tal curvatura es físicamente imposible para las personas al lado de la imagen de la mano sostener la daga en esta posición. Sin embargo, lo realmente llamativo no es el hecho mismo de la existencia de una mano que no pertenece al cuerpo, sino la ausencia de mención alguna de ella en las obras sobre Leonardo que hemos leído: aunque esta mano se menciona en un par de obras, los autores no encuentran nada inusual en ellas. Como en el caso del apóstol Juan, que parece una mujer, nada podría ser más obvio -y nada más extraño- una vez que se presta atención a esta circunstancia. Pero la mayoría de las veces esta irregularidad escapa a la atención del observador simplemente porque es un hecho extraordinario e indignante.

A menudo escuchamos que Leonardo era un cristiano devoto cuyas pinturas religiosas reflejan la profundidad de su fe. Como podemos ver, al menos una de las pinturas contiene imágenes muy dudosas desde el punto de vista de un cristiano ortodoxo. Nuestras investigaciones posteriores, como mostraremos, han establecido que nada podría estar tan lejos de la verdad como la idea de que Leonardo era un verdadero creyente - por implicación, un creyente según los cánones de la forma de cristianismo generalmente aceptada o al menos aceptable. . Ya por las curiosas características anómalas de una de sus creaciones vemos que estaba tratando de hablarnos sobre otra capa de significado en una escena bíblica familiar, sobre otro mundo de fe escondido en las imágenes generalmente aceptadas de las pinturas murales de Milán.

Cualquiera que fuera el significado de estas irregularidades heréticas -y la importancia de este hecho no puede exagerarse- eran absolutamente incompatibles con los principios ortodoxos del cristianismo. Es poco probable que esto en sí mismo sea una novedad para muchos materialistas/racionalistas modernos, ya que para ellos Leonardo fue el primer científico verdadero, un hombre que no tenía tiempo para supersticiones, un hombre que era la antítesis de todo misticismo y ocultismo. Pero tampoco podían entender lo que apareció ante sus ojos. Representar la Última Cena sin vino equivale a representar una escena de coronación sin corona: el resultado es una tontería o la imagen está llena de otro contenido, y hasta tal punto que representa al autor como un hereje absoluto, una persona que tiene fe, pero una fe que contradice los dogmas del cristianismo. Quizás no sólo diferentes, sino en estado de lucha con los dogmas del cristianismo. Y en otras obras de Leonardo hemos descubierto sus peculiares predilecciones heréticas, expresadas en escenas relevantes cuidadosamente elaboradas, que difícilmente habría escrito exactamente porque era simplemente un ateo que se ganaba la vida. Hay demasiadas de estas desviaciones y símbolos para interpretarlos como la burla de un escéptico obligado a trabajar según una orden, ni tampoco pueden llamarse simplemente payasadas, como, por ejemplo, la imagen de San Pedro con la nariz roja. . Lo que vemos en la Última Cena y otras obras es el código secreto de Leonardo da Vinci, que creemos que tiene una conexión sorprendente con nuestro mundo moderno.

Se puede discutir lo que Leonardo creía o no creía, pero sus acciones no fueron sólo el capricho de un hombre, sin duda extraordinario, cuya vida entera estuvo llena de paradojas. Era reservado, pero al mismo tiempo alma y vida de la sociedad; despreciaba a los adivinos, pero sus documentos indican grandes sumas pagadas a los astrólogos; se le consideraba vegetariano y sentía un tierno amor por los animales, pero su ternura rara vez se extendía a la humanidad; diseccionaba celosamente cadáveres y observaba ejecuciones con ojos de anatomista, era un pensador profundo y un maestro de acertijos, trucos y engaños.

Con un mundo interior tan contradictorio, es probable que las opiniones religiosas y filosóficas de Leonardo fueran inusuales, incluso extrañas. Sólo por esta razón, resulta tentador descartar sus creencias heréticas como algo sin relevancia para nuestros tiempos modernos. En general, se acepta que Leonardo era un hombre extremadamente talentoso, pero la tendencia moderna a evaluar todo en términos de "época" conduce a una subestimación significativa de sus logros. Después de todo, en el momento en que estaba en su mejor momento creativo, incluso la impresión era una novedad. ¿Qué puede ofrecer un inventor solitario, que vive en tiempos tan primitivos, a un mundo que nada en un océano de información a través de la red global, a un mundo que, en cuestión de segundos, intercambia información por teléfono y fax con continentes que en ¿Aún no se habían descubierto sus tiempos?

Hay dos respuestas a esta pregunta. Primero: Leonardo no fue, usemos la paradoja, un genio común y corriente. La mayoría de las personas educadas saben que diseñó una máquina voladora y un tanque primitivo, pero al mismo tiempo algunos de sus inventos eran tan inusuales para la época en que vivió que las personas con una mentalidad excéntrica pueden imaginar que se le dio el poder. para prever el futuro. El diseño de su bicicleta, por ejemplo, no se conoció hasta finales de los años sesenta del siglo XX. A diferencia de la dolorosa evolución de prueba y error que sufrió la bicicleta victoriana, la devoradora de carreteras de Leonardo da Vinci ya contaba con dos ruedas y transmisión por cadena en su primera edición. Pero lo que es aún más sorprendente no es el diseño del mecanismo, sino la cuestión de las razones que impulsaron la invención de la rueda. El hombre siempre ha querido volar como un pájaro, pero el sueño de mantener el equilibrio sobre dos ruedas y pisar los pedales, teniendo en cuenta el deplorable estado de las carreteras, ya huele a misticismo. (Recordemos, dicho sea de paso, que a diferencia del sueño de volar, este no aparece en ningún relato clásico.) Entre muchas otras afirmaciones sobre el futuro, Leonardo también predijo la aparición del teléfono.

Incluso si Leonardo fuera un genio aún mayor de lo que dicen los libros de historia, la pregunta sigue sin respuesta: ¿qué conocimiento posible podría haber poseído si lo que propuso tuviera sentido o se generalizara sólo cinco siglos después de su época? Por supuesto, se puede argumentar que las enseñanzas de un predicador del siglo I parecerían tener aún menos relevancia para nuestro tiempo, pero el hecho indiscutible permanece: algunas ideas son universales y eternas, la verdad, encontrada o formulada, no No deja de ser la verdad después del paso de los siglos..

(continuará)

"El codigo Da Vinci" (novela escandalosa de Dan Brown)

En el mundo estallaron debates especialmente acalorados después de la adaptación cinematográfica de la escandalosa novela de Dan Brown " El codigo Da Vinci", donde, entre otras cosas, afirma que María Magdalena fue no sólo la discípula amada de Jesús, sino también la consorte, es decir, la esposa . El libro ha sido traducido a 44 idiomas y publicado con una tirada total de más de 81 millones de ejemplares. El Código Da Vinci encabeza la lista de libros más vendidos del New York Times y muchos lo consideran el mejor libro de la década. La novela, escrita en el género de un thriller de detectives intelectual, logró despertar un interés generalizado en la leyenda del Santo Grial y el lugar de María Magdalena en la historia del cristianismo.

Sin embargo, el mundo cristiano reaccionó muy duramente ante la publicación del libro y la película; la versión de Dan Brown fue destruida con mil respuestas y comentarios críticos. Uno de los celosos ministros de religión lo expresó de manera más elocuente, incluso llamando a boicotear la película: “perforantemente anticristiana, llena de calumnias, crímenes y errores históricos y teológicos respecto de Jesús, el Evangelio y una iglesia hostil”. Sin embargo, dejando de lado la estrechez de miras religiosa, una cosa se puede decir con certeza: ninguno de los críticos estaba vivo entonces y no puede conocer la historia real. Quizás lo sepa aquel cuyo nombre está inscrito en el título de nuestro sitio, y volveremos a sus palabras.

BOCETO PARA "LA ÚLTIMA CENA"

Bueno, ahora veamos el espacio en blanco de Leonardo Da Vinci, el boceto superviviente de La Última Cena. La segunda figura desde la izquierda, en la fila superior, son claramente visibles los contornos femeninos, las formas más suaves y claras. ¿Quién es este sino una mujer?

RESUMEN

Cada uno ve lo que quiere ver, esta es una de las leyes misteriosas de la conciencia humana. Y si la conciencia de una persona cree que el blanco es negro, demostrará con seguridad que tiene razón. No estuvimos presentes en la pintura del famoso cuadro monumental del brillante artista, como tampoco estuvimos presentes en los acontecimientos que marcaron época en la vida de Jesucristo y, por lo tanto, sería más justo terminar este artículo con la afirmación de que No podemos saber con certeza si es Juan o María, pero subjetivamente, en la imagen Leonardo Da Vinci es una mujer y, por lo tanto, nada menos que la amada discípula de Jesús: María Magdalena. La opinión de la Iglesia de que el apóstol Juan el Teólogo está en el cuadro tiene el mismo grado de subjetividad. 50/50 - ¡¡¡no más!!!

Preparado por Dato Gomarteli (Ucrania-Georgia)

PD: otra reproducción, foto del mosaico “Última Cena” de la Catedral de San Isaac en San Petersburgo, y nuevamente vemos a una mujer:

Última cena. Para muchos historiadores y críticos de arte, la "Última Cena" de Leonardo da Vinci es la mayor obra de arte mundial. En El código Da Vinci, Dan Brown centra la atención de los lectores en algunos de los elementos simbólicos de esta pintura en los momentos en que Sophie Neveu, mientras se encuentra en la casa de Lee Teabing, descubre que Leonardo puede haber cifrado algún gran secreto en su obra maestra. “La Última Cena” es un fresco pintado en la pared del refectorio del monasterio de Santa Maria della Grazie en Milán. Incluso en la época del propio Leonardo, se consideraba su mejor y más famosa obra. El fresco fue realizado entre 1495 y 1497, pero ya durante los primeros veinte años de su existencia, como se desprende de los testimonios escritos de esos años, comenzó a deteriorarse. Mide aproximadamente 15 por 29 pies.

El fresco fue pintado con una gruesa capa de temple al huevo sobre yeso seco. Debajo de la capa principal de pintura hay un boceto compositivo, un estudio en rojo, que anticipa el uso habitual del cartón. Esta es una especie de herramienta de preparación. Se sabe que el cliente del cuadro fue el duque de Milán Lodovico Sforza, en cuya corte Leonardo ganó fama como gran pintor, y no los monjes del monasterio de Santa Maria della Grazie. El tema del cuadro es el momento en que Jesucristo anuncia a sus discípulos que uno de ellos lo traicionará. Pacioli escribe sobre esto en el tercer capítulo de su libro “La Divina Proporción”. Fue este momento, cuando Cristo anuncia la traición, el que capturó Leonardo da Vinci. Para lograr precisión y realismo, estudió las poses y expresiones faciales de muchos de sus contemporáneos, a quienes luego representó en la pintura. Las identidades de los apóstoles han sido objeto de controversias en repetidas ocasiones, sin embargo, a juzgar por las inscripciones en una copia del cuadro conservada en Lugano, estos son (de izquierda a derecha): Bartolomé, Santiago el Joven, Andrés, Judas, Pedro, Juan, Tomás, Santiago el Viejo, Felipe, Mateo, Tadeo y Simón Zelotes. Muchos historiadores del arte creen que esta composición debe percibirse como una interpretación iconográfica de la Eucaristía - la comunión, ya que Jesucristo señala con ambas manos la mesa con vino y pan. Casi todos los estudiosos de la obra de Leonardo coinciden en que el lugar ideal para ver la pintura es desde una altura de aproximadamente 13 a 15 pies sobre el suelo y a una distancia de 26 a 33 pies del mismo. Existe la opinión, ahora controvertida, de que la composición y su sistema de perspectiva se basan en el canon musical de proporción. Lo que le da a La Última Cena su carácter único es que, a diferencia de otras pinturas de este tipo, muestra la asombrosa variedad y riqueza de las emociones de los personajes provocadas por las palabras de Jesús de que uno de sus discípulos lo traicionaría. Ninguna otra pintura de la Última Cena puede siquiera acercarse a la composición única y la atención al detalle de la obra maestra de Leonardo. Entonces, ¿qué secretos podría cifrar el gran artista en su creación? En El descubrimiento de los templarios, Clive Prince y Lynn Picknett sostienen que varios elementos de la estructura de la Última Cena indican símbolos cifrados en ella. Primero, creen que la figura a la derecha de Jesús (a la izquierda del espectador) no es Juan, sino una mujer.

Lleva una túnica cuyo color contrasta con la ropa de Cristo y está inclinada en dirección opuesta a Jesús, que está sentado en el centro. El espacio entre esta figura femenina y Jesús tiene forma de V, y las figuras mismas forman una M.

En segundo lugar, en la imagen, en su opinión, junto a Peter se ve cierta mano que agarra un cuchillo. Prince y Picknett afirman que esta mano no pertenece a ninguno de los personajes de la película.

En tercer lugar, sentado directamente a la izquierda de Jesús (a la derecha para la audiencia), Tomás, dirigiéndose a Cristo, levantó el dedo.

Y, finalmente, existe la hipótesis de que el apóstol Tadeo sentado de espaldas a Cristo es en realidad un autorretrato del propio Leonardo.

Veamos cada punto en orden. Tras un examen más detenido de la pintura, resulta que el personaje a la derecha de Jesús (para el espectador, a la izquierda) en realidad tiene rasgos femeninos o femeninos. Prince y Picknett aseguran a los lectores que los senos de una mujer son visibles incluso debajo de los pliegues de la ropa. Por supuesto, a Leonardo a veces le gustaba dar rasgos femeninos a figuras y rostros masculinos. Por ejemplo, un examen cuidadoso de la imagen de Juan Bautista muestra que está dotado casi de los rasgos de un hermafrodita con la piel pálida y sin pelo.
Pero, ¿qué importa si en el cuadro “La Última Cena” Jesús y Juan (la mujer) se inclinaron en direcciones opuestas, formando entre ellos un espacio en forma de la letra V, y los contornos de sus cuerpos formando la letra M? ¿Tiene esto algún significado simbólico? Prince y Picknett sostienen que esta disposición inusual de figuras, una de las cuales tiene rasgos claramente femeninos, contiene un indicio de que no se trata de Juan, sino de María Magdalena, y el signo V es un símbolo del principio femenino sagrado. La letra M, según su hipótesis, significa el nombre María/Magdalena. Se puede estar de acuerdo o en desacuerdo con esta suposición, pero nadie negará su originalidad y valentía. Centrémonos en la mano sin cuerpo. ¿De quién es la mano visible a la izquierda, junto a la figura de Pedro? ¿Por qué agarra una daga o un cuchillo de manera tan amenazadora? Otra rareza es que la mano izquierda de Peter parece estar cortando la garganta de la figura vecina con el borde de su palma.

¿Qué quiso decir Leonardo con esto? ¿Qué significa el extraño gesto de Peter? Sin embargo, tras un examen más detenido, queda claro que la mano con el cuchillo todavía pertenece a Peter y no existe por sí sola. Peter torció su mano izquierda y, por lo tanto, su posición es claramente inusual y extremadamente incómoda. En cuanto a la segunda mano, amenazadoramente levantada hacia la garganta de Juan/María, hay una explicación para esto: Pedro simplemente pone su mano sobre su hombro. Lo más probable es que las disputas sobre este asunto continúen durante mucho tiempo. En cuanto a Tomás, sentado a la izquierda de Jesús (a la derecha del espectador), levantó el dedo índice de su mano izquierda de manera claramente amenazadora. Este gesto de Juan Bautista, como lo llaman Prince y Picknett, está presente en muchas pinturas de Leonardo, así como de otros pintores de la época. Supuestamente simboliza la corriente subterránea de conocimiento y sabiduría. El hecho es que Juan el Bautista en realidad jugó un papel mucho más importante que el que le asignaron las Escrituras. Para quienes deseen conocer más sobre esto, recomiendo la lectura del libro “El Descubrimiento de los Templarios”. El apóstol Tadeo representado en la pintura parece tener cierto parecido con Leonardo, si comparamos su imagen con el famoso autorretrato del gran artista. En muchas de las pinturas de Jesús o la Sagrada Familia de Leonardo da Vinci, se nota el mismo detalle: al menos una de las figuras está de espaldas al personaje principal de la pintura. Por ejemplo, en el cuadro "La Adoración de los Magos". La restauración recientemente completada de La Última Cena ha hecho posible aprender mucho sobre esta increíble pintura. En él, como en muchos otros cuadros de Leonardo, se esconden algunos mensajes secretos y símbolos olvidados. Sin embargo, su verdadero significado todavía no está del todo claro para nosotros, lo que da lugar a cada vez más conjeturas y suposiciones nuevas. Sea como sea, queda mucho por hacer en el futuro para desentrañar estos misterios. Me gustaría que pudiéramos comprender hasta en lo más mínimo los planes del gran maestro.

En uno de los rincones tranquilos de Milán, perdida entre las calles estrechas, se encuentra la Iglesia de Santa Maria della Grazie. Junto a él, en un discreto refectorio, una obra maestra de obras maestras, el fresco "La Última Cena" de Leonardo da Vinci, vive y sorprende a la gente desde hace más de 500 años.

La composición de "La Última Cena" de Leonardo da Vinci fue encargada por el duque Lodovico Moro, que gobernaba Milán en ese momento. La trama de "La Última Cena" fue representada por pintores florentinos incluso antes que Leonardo, pero entre ellos solo se pueden destacar las obras de Giotto (o sus alumnos) y dos frescos de Domenico Ghirlandaio.

Para su fresco en la pared del refectorio del monasterio de Santa Maria della Grazie, da Vinci eligió el momento en que Cristo dice a sus discípulos: "En verdad os digo que uno de vosotros me traicionará", y el aliento helado del inevitable el destino tocó a cada uno de los apóstoles.

Después de estas palabras, en sus rostros se expresaron diversos sentimientos: algunos estaban asombrados, otros indignados, otros entristecidos.

El joven Felipe, dispuesto al sacrificio, se inclinó ante Cristo, Jacob levantó las manos en trágico desconcierto, estaba a punto de abalanzarse sobre el traidor, Pedro agarró un cuchillo, en la mano derecha de Judas apretaba una bolsa con fatales piezas de plata...

Por primera vez en la pintura, la gama más compleja de sentimientos encontró un reflejo tan profundo y sutil. Todo en este fresco está hecho con asombrosa verdad y cuidado, incluso los pliegues del mantel que cubre la mesa parecen reales.

En Leonardo, al igual que en Giotto, todas las figuras de la composición están situadas en la misma línea, de cara al espectador. Cristo está representado sin aureola, los apóstoles sin sus atributos, que les eran característicos en las pinturas antiguas.

Expresan su ansiedad emocional a través del juego de sus rostros y movimientos. "La Última Cena" es una de las grandes creaciones de Leonardo, cuyo destino resultó ser muy trágico. Cualquiera que haya visto este fresco hoy experimenta un sentimiento de dolor indescriptible al ver las terribles pérdidas que el tiempo inexorable y la barbarie humana han infligido a la obra maestra.

Mientras tanto, ¡cuánto tiempo, cuánto trabajo inspirado y el amor más ardiente invirtió Leonardo da Vinci en la creación de su obra! Dicen que a menudo se le podía ver, abandonando repentinamente todo lo que estaba haciendo, corriendo en pleno día, en el calor más intenso, hacia la iglesia de Santa María para dibujar una sola línea o corregir el contorno de la Última Cena.

Le apasionaba tanto su trabajo que escribía sin cesar, se sentaba a leer desde la mañana hasta la noche, olvidándose de la comida y la bebida. Sucedió, sin embargo, que durante varios días no cogió el pincel, pero incluso en esos días permaneció en el refectorio dos o tres horas, entregándose a sus pensamientos y examinando las figuras ya pintadas.

Todo esto irritó mucho al prior del monasterio dominicano, a quien (como escribe Vasari) “le parecía extraño que Leonardo permaneciera inmerso en sus pensamientos y contemplación durante buena mitad del día.

Quería que el artista no soltara sus pinceles, como uno no deja de trabajar en el jardín. El abad se quejó ante el propio duque, pero éste, tras escuchar a Leonardo, dijo que el artista tenía mil veces razón. Como le explicó Leonardo, el artista primero crea en su mente y en su imaginación, y luego captura su creatividad interior con un pincel”.

Leonardo eligió cuidadosamente modelos para las imágenes de los apóstoles. Iba todos los días a esos barrios de Milán donde vivían los estratos más bajos de la sociedad e incluso criminales. Allí buscaba un modelo para el rostro de Judas, a quien consideraba el mayor sinvergüenza del mundo.

Toda la composición de “La Última Cena” está impregnada del movimiento que suscitaron las palabras de Cristo. En la pared, como superándola, se despliega ante el espectador la antigua tragedia del evangelio. El traidor Judas se sienta con los demás apóstoles, mientras que los viejos maestros lo representan sentado por separado.

Pero Leonardo da Vinci sacó a relucir su lúgubre aislamiento de manera mucho más convincente, envolviendo sus rasgos en sombras. Jesucristo es el centro de toda la composición, de todo el torbellino de pasiones que arden a su alrededor. El Cristo de Leonardo es el ideal de la belleza humana; nada traiciona en él la deidad. Su rostro inexpresablemente tierno respira una profunda tristeza, es grande y conmovedor, pero sigue siendo humano. De la misma manera, el miedo, la sorpresa, el horror, vívidamente representados en los gestos, movimientos y expresiones faciales de los apóstoles, no exceden los sentimientos humanos comunes.

Esto dio al investigador francés Charles Clément motivos para formular la pregunta: “Habiendo expresado perfectamente los verdaderos sentimientos, ¿le dio Leonardo a su creación todo el poder que un tema así requiere?” Da Vinci no fue en modo alguno un cristiano ni un artista religioso. El pensamiento religioso no aparece en ninguna de sus obras. No se encontró ninguna confirmación de esto en sus notas, donde anotaba constantemente todos sus pensamientos, incluso los más secretos.

Cristo y los doce apóstoles se sientan en esta elevación, cierran las mesas de los monjes con un cuadrilátero y, por así decirlo, celebran con ellos la cena.

Las identidades de los apóstoles han sido objeto de controversias en repetidas ocasiones, pero a juzgar por las inscripciones en una copia del cuadro conservada en Lugano, de izquierda a derecha: Bartolomé, Santiago el Joven, Andrés, Judas, Pedro, Juan, Tomás, Santiago. el Viejo, Felipe, Mateo, Tadeo y Simón Zelot.

Desde el centro, Jesucristo, el movimiento se extiende a lo ancho sobre las figuras de los apóstoles, hasta que, en su máxima tensión, se apoya en los bordes del refectorio. Y entonces nuestra mirada se precipita nuevamente hacia la figura solitaria del Salvador. Su cabeza está iluminada como por la luz natural del refectorio.

La luz y la sombra, disolviéndose mutuamente en un movimiento esquivo, dieron al rostro de Cristo una espiritualidad especial. Pero al crear su "Última Cena", Leonardo no pudo dibujar el rostro de Jesucristo. Pintó cuidadosamente los rostros de todos los apóstoles, el paisaje fuera de la ventana del refectorio y los platos sobre la mesa. Después de mucha búsqueda, le escribí a Jude. Pero el rostro del Salvador quedó como el único inacabado de este fresco.

El resultado al principio resultó excelente, pero después de unos años aparecieron en la pintura rastros de destrucción incipiente: aparecieron manchas de humedad, la capa de pintura comenzó a desprenderse en pequeñas hojas. En 1500, tres años después de la redacción de la Última Cena, el agua inundó el refectorio y tocó el fresco. Diez años más tarde, una terrible plaga azotó Milán y los hermanos del monasterio se olvidaron del tesoro guardado en su monasterio. En 1566 ya se encontraba en un estado muy lamentable.

Los monjes cortaron una puerta en el centro del cuadro, que era necesaria para conectar el refectorio con la cocina. Esta puerta destruyó las piernas de Cristo y de algunos de los apóstoles, y luego el cuadro quedó desfigurado con un enorme emblema estatal, que estaba colocado encima del cuadro mismo.

Posteriormente, la pintura fue restaurada muchas veces, pero no siempre con éxito. Lo que le da a La Última Cena su carácter único es que, a diferencia de otras pinturas de este tipo, muestra la asombrosa variedad y riqueza de las emociones de los personajes provocadas por las palabras de Jesús de que uno de sus discípulos lo traicionaría.

Ninguna otra pintura de la Última Cena puede siquiera acercarse a la composición única y la atención al detalle de la obra maestra de Leonardo.

Entonces, ¿qué secretos podría cifrar el gran artista en su creación? En El descubrimiento de los templarios, Clive Prince y Lynn Picknett sostienen que varios elementos de la estructura de la Última Cena indican símbolos cifrados en ella.

Primero, creen que la figura a la derecha de Jesús (a la izquierda del espectador) no es Juan, sino una mujer. Lleva una túnica cuyo color contrasta con la ropa de Cristo y está inclinada en dirección opuesta a Jesús, que está sentado en el centro. El espacio entre esta figura femenina y Jesús tiene forma de V, y las figuras mismas forman una M.

En segundo lugar, en la imagen, en su opinión, junto a Peter se ve cierta mano que agarra un cuchillo. Prince y Picknett afirman que esta mano no pertenece a ninguno de los personajes de la película.

En tercer lugar, sentado directamente a la izquierda de Jesús (a la derecha para la audiencia), Tomás, dirigiéndose a Cristo, levantó el dedo. Según los autores, se trata de un gesto típico de Juan Bautista.

Y, finalmente, existe la hipótesis de que el apóstol Tadeo, sentado de espaldas a Cristo, es en realidad un autorretrato del propio Leonardo.

La reciente restauración del cuadro ha permitido aprender mucho sobre él. Pero la cuestión de los mensajes secretos y los símbolos olvidados sigue abierta.

Sea como sea, aún queda mucho por hacer en el futuro para desentrañar estos misterios. Me gustaría comprender al menos en lo más mínimo los planes del gran maestro.

Secretos del fresco de Leonardo da Vinci "La última cena"

Iglesia de Santa María delle Grazie.

La composición de “La Última Cena” de Leonardo da Vinci fue encargada por el duque Lodovico Moro, que gobernaba Milán. Desde su juventud, moviéndose en un círculo de alegres bacantes, el duque se corrompió tanto que ni siquiera una criatura joven e inocente en forma de una esposa tranquila y brillante no pudo destruir sus inclinaciones destructivas. Pero, aunque el duque a veces pasaba, como antes, días enteros en compañía de amigos, sentía un afecto sincero por su esposa y simplemente veneraba a Beatriz, viendo en ella a su ángel de la guarda.

Cuando ella murió repentinamente, Ludovico Moro se sintió solo y abandonado. Desesperado, habiendo roto su espada, ni siquiera quiso mirar a los niños y, alejándose de sus amigos, languideció solo durante quince días. Luego, llamando a Leonardo da Vinci, que no estaba menos entristecido por esta muerte, el duque se arrojó en sus brazos. Impresionado por el triste acontecimiento, Leonardo concibió su obra más famosa: "La Última Cena". Posteriormente, el gobernante milanés se convirtió en un hombre piadoso y puso fin a todas las vacaciones y entretenimientos que distraían constantemente al gran Leonardo de sus estudios.
Refectorio del monasterio con fresco de Leonardo da Vinci, tras la restauración
última cena

Para su fresco en la pared del refectorio del monasterio de Santa Maria della Grazie, da Vinci eligió el momento en que Cristo dice a sus discípulos: “En verdad os digo que uno de vosotros me traicionará”.
Estas palabras preceden a la culminación de los sentimientos, al punto más alto de intensidad de las relaciones humanas, a la tragedia. Pero la tragedia no es sólo la del Salvador, también es la tragedia del Alto Renacimiento mismo, cuando la fe en la armonía sin nubes comenzó a desmoronarse y la vida no parecía tan serena.

El fresco de Leonardo no sólo está lleno de personajes bíblicos, sino que también son gigantes del Renacimiento: libres y hermosos. Pero ahora están confundidos...

“Uno de vosotros me traicionará...” - y el aliento helado del destino inevitable tocó a cada uno de los apóstoles. Después de estas palabras, en sus rostros se expresaron diversos sentimientos: algunos estaban asombrados, otros indignados, otros entristecidos. El joven Felipe, dispuesto al sacrificio, se inclinó ante Cristo, Jacob levantó las manos en trágico desconcierto, estaba a punto de abalanzarse sobre el traidor, Pedro agarró un cuchillo, en la mano derecha de Judas apretaba una bolsa con fatales piezas de plata...

Por primera vez en la pintura, la gama más compleja de sentimientos encontró un reflejo tan profundo y sutil.
Todo en este fresco está hecho con asombrosa verdad y cuidado, incluso los pliegues del mantel que cubre la mesa parecen reales.

"La Última Cena" es una de las grandes creaciones de Leonardo, cuyo destino resultó ser muy trágico. Cualquiera que haya visto este fresco hoy experimenta un sentimiento de dolor indescriptible al ver las terribles pérdidas que el tiempo inexorable y la barbarie humana han infligido a la obra maestra. Mientras tanto, ¡cuánto tiempo, cuánto trabajo inspirado y el amor más ardiente invirtió Leonardo da Vinci en la creación de su obra!

Dicen que a menudo se le podía ver, abandonando repentinamente todo lo que estaba haciendo, corriendo en pleno día, en el calor más intenso, hacia la iglesia de Santa María para dibujar una sola línea o corregir el contorno de la Última Cena. Le apasionaba tanto su trabajo que escribía sin cesar, se sentaba a leer desde la mañana hasta la noche, olvidándose de la comida y la bebida.

Sucedió, sin embargo, que durante varios días no cogió el pincel, pero incluso en esos días permaneció en el refectorio dos o tres horas, entregándose a sus pensamientos y examinando las figuras ya pintadas. Todo esto irritó mucho al prior del monasterio dominicano, a quien (como escribe Vasari) “le parecía extraño que Leonardo permaneciera inmerso en sus pensamientos y contemplación durante buena mitad del día. Quería que el artista no soltara sus pinceles, como uno no deja de trabajar en el jardín. El abad se quejó ante el propio duque, pero éste, tras escuchar a Leonardo, dijo que el artista tenía mil veces razón. Como le explicó Leonardo, el artista primero crea en su mente y en su imaginación, y luego captura su creatividad interior con un pincel”.

De hecho, en aquella época se podía encontrar a Leonardo da Vinci en varios puntos de la ciudad. En las tabernas, se sentaba a la mesa con los pobres y les contaba diferentes historias, a veces divertidas, a veces tristes y tristes, y a veces aterradoras. Y miraba atentamente los rostros de los oyentes cuando reían o lloraban. Al notar una expresión interesante en sus rostros, inmediatamente la dibujó rápidamente.

El artista no prestó atención al molesto monje, que gritaba, se enfurecía y se quejaba ante el duque. Sin embargo, cuando el abad del monasterio volvió a molestar a Leonardo, declaró que si no encontraba nada mejor para la cabeza de Judas, y “lo apurarían, entonces usaría la cabeza de este abad tan intrusivo e inmodesto”. como modelo."

El traidor Judas se sienta con los demás apóstoles, mientras que los viejos maestros lo representan sentado por separado. Pero Leonardo da Vinci sacó a relucir su lúgubre aislamiento de manera mucho más convincente, envolviendo sus rasgos en sombras.

Jesucristo es el centro de toda la composición, de todo el torbellino de pasiones que arden a su alrededor. El Cristo de Leonardo es el ideal de la belleza humana; nada traiciona en él la deidad. Su rostro inexpresablemente tierno respira una profunda tristeza, es grande y conmovedor, pero sigue siendo humano. De la misma manera, el miedo, la sorpresa, el horror, vívidamente representados en los gestos, movimientos y expresiones faciales de los apóstoles, no exceden los sentimientos humanos comunes.

Lo que vieron los asombrados espectadores cuando, en el invierno de 1497, siguiendo al duque y su magnífico séquito, llenaron el sencillo y austero refectorio, fue completamente diferente a pinturas anteriores de este tipo. Las “pinturas” en la estrecha pared frente a la entrada parecían como si no estuvieran allí en absoluto. Se veía una pequeña elevación, y encima un techo con vigas transversales y paredes, formando (según el plano de Leonardo) una pintoresca continuación del espacio real del refectorio. En esta elevación, cerrada por tres ventanas que dan al paisaje montañoso, estaba representada una mesa, exactamente igual a las demás mesas del refectorio del monasterio. Esta mesa está cubierta con el mismo mantel con un patrón tejido sencillo que las mesas de otros monjes. En ella se encuentran los mismos platos que en las otras mesas.

Cristo y los doce apóstoles se sientan en esta elevación, cierran las mesas de los monjes con un cuadrilátero y, por así decirlo, celebran con ellos la cena.

Por lo tanto, cuando los monjes sentados a la mesa de la carne podían dejarse llevar más fácilmente por las tentaciones mundanas, tenían que mostrar para la enseñanza eterna que un traidor podía infiltrarse invisiblemente en el corazón de todos y que el Salvador se preocupa por cada oveja descarriada. Los monjes tenían que ver esta lección en la pared todos los días para que la gran enseñanza penetrara más profundamente en sus almas que las oraciones.

Desde el centro, Jesucristo, el movimiento se extiende a lo ancho sobre las figuras de los apóstoles, hasta que, en su máxima tensión, se apoya en los bordes del refectorio. Y luego nuestra mirada se precipita nuevamente hacia la figura solitaria del Salvador. Su cabeza está iluminada como por la luz natural del refectorio. La luz y la sombra, disolviéndose mutuamente en un movimiento esquivo, dieron al rostro de Cristo una espiritualidad especial.

Pero al crear su "Última Cena", Leonardo no pudo dibujar el rostro de Jesucristo. Pintó cuidadosamente los rostros de todos los apóstoles, el paisaje fuera de la ventana del refectorio y los platos sobre la mesa. Después de mucha búsqueda, le escribí a Jude. Pero el rostro del Salvador quedó como el único inacabado de este fresco.

Parecería que "La Última Cena" debería haberse conservado cuidadosamente, pero en realidad todo resultó diferente. El propio gran da Vinci tiene parte de culpa en esto. Al crear el fresco, Leonardo utilizó un nuevo método (que él mismo inventó) para imprimar la pared y una nueva composición de pinturas. Esto le permitió trabajar lenta e intermitentemente, realizando cambios frecuentes en partes del trabajo ya escritas. El resultado al principio resultó excelente, pero después de unos años aparecieron en la pintura rastros de destrucción incipiente: aparecieron manchas de humedad, la capa de pintura comenzó a desprenderse en pequeñas hojas.

En 1500, tres años después de la redacción de la Última Cena, el agua inundó el refectorio y tocó el fresco. Diez años más tarde, una terrible plaga azotó Milán y los hermanos del monasterio se olvidaron del tesoro guardado en su monasterio. Huyendo del peligro mortal, (quizás contra su propia voluntad) no pudieron cuidar adecuadamente el fresco. En 1566 ya se encontraba en un estado muy lamentable. Los monjes cortaron una puerta en el centro del cuadro, que era necesaria para conectar el refectorio con la cocina. Esta puerta destruyó los pies de Cristo y de algunos de los apóstoles, y luego la imagen fue desfigurada por un enorme emblema estatal, que estaba colocado sobre la cabeza misma de Jesucristo.

Posteriormente, los soldados austriacos y franceses parecieron competir entre sí en vandalismo para destruir este tesoro. A finales del siglo XVIII, el refectorio del monasterio se convirtió en un establo, los vapores del estiércol de caballo cubrieron los frescos con un espeso moho y los soldados que entraban en el establo se divertían arrojando ladrillos a las cabezas de los apóstoles.

Pero incluso en su estado ruinoso, “La Última Cena” deja una impresión imborrable. El rey francés Francisco I, que capturó Milán en el siglo XVI, quedó encantado con la Última Cena y quiso transportarla a París. Ofreció mucho dinero a cualquiera que encontrara una manera de transportar estos frescos a Francia. Y abandonó este proyecto sólo porque los ingenieros se dieron por vencidos ante la dificultad de esta empresa.

Basado en materiales de “Cien grandes pinturas” de N.A. Ionin, Editorial Veche, 2002